Dans cet épisode, je parle d’un moment que l’on traverse tous.

Celui où tout devient plus lent, plus flou, plus incertain.

Celui où les choses avancent… mais sans encore se concrétiser.

En ce moment, je suis en plein changement d’atelier.

Six mois de démarches, de délais, d’allers-retours, et une sensation très claire :

celle d’être dans une phase de contraction avant une expansion.

Et dans ces moments-là, les questions reviennent très vite.

Est-ce que je fais bien ? Est-ce que je dois continuer ? Est-ce que ça vaut vraiment le coup ?

Alors à quoi se raccrocher quand tout semble instable ?

Pendant longtemps, j’ai cru que la constance, c’était répéter.

Travailler plus, insister, continuer coûte que coûte.

Mais en réalité, ce n’est pas la répétition qui transforme.

C’est l’intention.

Dans cet épisode, je parle de cette bascule.

De ce moment où l’on choisit de revenir — non pas au résultat, mais à ce qui nous met en mouvement.

À travers mon travail, un croquis dans le jardin, une feuille d’acanthe et ces instants où l’on pourrait abandonner…

ou décider de comprendre.

Parce que la répétition améliore.

Mais l’intention transforme.

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🎧 À écouter si vous êtes dans une période de doute, de transition, ou simplement face à un dessin qui ne fonctionne plus.

Retrouvez mon travail et mes carnets de croquis: https://www.jenniferlabedie.com/

Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

On ne peut pas exprimer ce que l'on ne comprend pas

Si vous avez écouté l’épisode précédent, je vous ai parlé de la gratitude.

De ce besoin d’ancrage.

Et du chemin qui m’a menée à créer le Gratitude Sketchbook.

Cet épisode est la suite.

Je reviens à un moment précis.

Un atelier.

Une rencontre.

Un enseignement qui a profondément transformé ma manière de voir… et de dessiner.

Je parle ici de ce que j’ai reçu à 20 ans, sans en mesurer l’ampleur sur le moment.

D’une transmission issue de l’enseignement de Louis Anquetin, transmise par Camille Versini et arrivée jusqu’à moi à travers mon mentor.

Au cœur de cet épisode, une idée simple :

On ne peut pas exprimer ce que l’on ne comprend pas.

Comprendre la forme.

Apprendre à regarder.

Sortir du dessin “symbolique” pour entrer dans une véritable lecture du réel.

Je parle de cette bascule :

le moment où l’on cesse de copier… pour commencer à comprendre.

Et de ce que cela change profondément dans le geste.

Parce que le geste n’est pas quelque chose de spontané au sens naïf.

Le geste se construit.

C’est une fidélité :

à ce que l’on voit,

à ce que l’on comprend,

à une manière de regarder.

Et cette fidélité… s’apprend.

Dans un monde saturé d’images, où l’on voit sans vraiment regarder,

cet épisode est une invitation à retrouver une justesse du regard —

précise et sensible.

Et à laisser le geste apparaître.

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Découvrir le Gratitude Sketchbook

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Dans cet épisode, je reviens sur une histoire fondatrice de mon parcours.

À l’école d’architecture, un architecte en chef du patrimoine m’a appris une chose simple :

toujours avoir un carnet de croquis sur soi.

Un carnet dans la poche.

Pour regarder, comprendre, analyser.

Mais très vite, j’ai rencontré un problème que beaucoup connaissent :

les carnets commencés… et jamais terminés.

Pendant des années, j’ai cru que c’était un manque de discipline.

Ou un manque de constance.

Jusqu’au moment où j’ai compris autre chose :

ce qui manquait n’était pas la volonté.

C’était l’ancrage.

Dans cet épisode, je raconte comment la notion de gratitude a transformé mon rapport au dessin — et comment est né le Gratitude Sketchbook.

Un carnet pensé non pas pour faire de “beaux dessins”,

mais pour permettre au geste de revenir.

Simplement.

À main levée.

→Découvrir le Gratitude Sketchbook :

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On parle souvent d’élan, d’inspiration, de motivation.

Beaucoup moins de ce moment plus discret où tout ralentit.

Ce moment où l’idée est déjà là,

où l’esprit a compris,

mais où l’œuvre n’est pas encore finie.

C’est là que l’ennui apparaît.

Dans cet épisode, je parle de ce seuil invisible entre l’idée et l’incarnation.

De cette zone moins fun, plus lente, où la création demande autre chose que de l’enthousiasme.

Pourquoi l’ennui n’est pas un échec.

Pourquoi il n’est pas un manque de talent.

Pourquoi il est peut-être, au contraire, le point exact où la constance commence.

Je partage ce que j’observe dans ma peinture,

dans mes toiles laissées en suspens,

dans ces moments où l’esprit voudrait déjà passer à autre chose.

Et si la fidélité au geste ne se jouait pas dans l’élan…

mais précisément dans cette traversée-là ?

Un épisode sur la patience,

sur le seuil,

et sur ce qui se construit quand le flow diminue.

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Pendant longtemps,
j’ai cru qu’il fallait peiner,
s’épuiser,
se fragmenter
pour mériter d’être légitime.

Dans cet épisode, je parle de ce moment précis
où l’on cesse de confondre la peine avec l’intention,
l’effort avec la justesse,
la souffrance avec le courage.

De ce passage silencieux
entre faire “contre soi”
et créer depuis un endroit plus aligné.

Un épisode pour celles et ceux
qui sentent que quelque chose s’assemble enfin,
même si le décor extérieur n’a pas encore changé.

Sur le chemin — d'an aod

https://www.jenniferlabedie.com

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La marée ne revient jamais de la même façon.

Elle avance, se retire, ralentit, accélère.

Elle traverse des élans, des silences, des absences.

Et pourtant, elle est profondément constante.

Dans cet épisode, je prends la marée comme métaphore vivante de la création.

Une constance non linéaire, non mesurable,

mais fidèle à une direction intérieure.

La constance n’est pas un rythme à tenir.

Ce n’est pas faire “tous les jours”.

C’est rester orienté, même quand le mouvement change.

Le carnet de croquis a été pensé pour cela :

non comme un objet à réussir,

mais comme un espace de retour au geste,

un lieu où l’on suit une direction intérieure plutôt qu’un résultat.

Aujourd’hui, à force de regarder le carnet comme un objet fini,

mesurable, montrable,

on lui retire parfois sa fonction première :

accompagner le mouvement vivant de la création.

Cet épisode ne propose pas une règle.

Il propose une boussole.

Pour celles et ceux qui créent,

et qui sentent que la constance ne se joue pas dans la répétition,

mais dans la fidélité à ce qui les met en mouvement.

Sur le chemin — d'an aod

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On parle souvent de contrainte quand on évoque la création.
De manque d’espace. De conditions imparfaites.

Dans cet épisode, je ne parle pas de contrainte comme d’un obstacle,
mais comme d’un révélateur.

À travers l’histoire de mes premiers mètres carrés d’atelier,
des objets que j’ai choisis sans toujours en avoir conscience,
et de ce qu’ils racontaient déjà de mon identité d’artiste,
j’explore une question simple :

Que dit l’espace dans lequel nous créons de la personne que nous nous autorisons à être ?

Parce que l’espace ne transforme pas l’artiste.
Il révèle une transformation déjà en cours.

Un épisode sur le cadre,
sur l’identité en devenir,
et sur cette forme de constance silencieuse
qui nous fait avancer bien avant que tout soit visible.

Sur le chemin — d'an aod

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On considère souvent la constance
comme une discipline,
une régularité,
un effort répété.

Et pourtant...

Dans cet épisode, je propose une autre lecture.

Et si la constance n’était pas une question de rythme,
mais une question de fidélité ?

Fidélité au geste.
Fidélité à ce qui nous met en mouvement.

À travers mon expérience du dessin, du carnet,
et du chemin créatif dans la durée,
j’explore ce qui fait que, chez certains,
la création revient.

Pas malgré les silences,
mais à travers eux.

Un épisode pour celles et ceux
qui ne cherchent pas à produire plus,
mais à créer avec présence
et habiter leur pratique dans le temps.

Sur le chemin — d'an aod

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